El cine mudo es la forma de hacer cine que marcó el inicio de la narración a través de imágenes en movimiento. Aunque hoy en día algunos consideran esta estética como un momento «inferior» o más pobre del cine, las películas sin sonido y sin diálogos fueron una innovación muy importante, con características específicas para funcionar como una historia, siendo amadas por el público de la época.
Características
Jacques Aumont y Michel Marie afirman, en el Diccionario Teórico y Crítico del Cine (2010), que el cine mudo «es una forma de arte diferente del cine hablado.
La ausencia de líneas audibles va de la mano del desarrollo de procedimientos visuales que el cine hablado utiliza poco o nada». Algunas de las características que este período del séptimo arte estableció en sus narraciones son:
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Preocupación integral por el aspecto visual, o la puesta en escena
En la escritura o en la oralidad, se pueden utilizar varias palabras para dejar claras al receptor las sensaciones que se quieren transmitir. En la forma visual, esto es más complejo.
Por ello, se hizo un mayor esfuerzo en la construcción de escenografías que definieran bien los espacios, así como la colocación de la cámara, la distancia entre los actores y los objetos, y el gesto de las actuaciones, recibieron una especial preocupación, para la comprensión del espectador.
Este aspecto de la producción cinematográfica (y teatral) se denomina puesta en escena. Es decir, la disposición del escenario y de los actores en escenas con el fin de contribuir a una narración.
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Expresividad gestual y mímica en el trabajo de los actores y actrices
Como ya se ha explicado, el cine mudo sólo disponía de la imagen y de algunos signos para comunicarse con el espectador (modalidad que también se llama «cine puro», cuando, aún con la posibilidad de diálogo y sonido, se seguía priorizando la comunicación imaginaria).
Por lo tanto, las expresiones de los actores eran sumamente importantes para transmitir las emociones que requería la narración.
La exageración era importante. Para el cine actual, este exceso se ve a veces de forma negativa, como «sobreactuación», aunque en ciertos tipos de películas este enfoque es más aceptado que en otros. Lo curioso aquí es que lo que antes era primordial ahora es visto por algunas corrientes cinematográficas como algo que hay que evitar.
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El primer plano
El primer plano es un encuadre en el que la cámara registra sólo una parte importante de la imagen. Lo más habitual es que ocurra cuando sólo se enfoca la cara de un personaje.
Sin embargo, también puede utilizarse para centrarse en los objetos o en cualquier otro elemento importante para la narración.
Aunque algunos libros mencionan que el primer plano en el cine aparece en «El nacimiento de una nación«, de 1915, se sabe que en 1901, el cortometraje «The little doctor and the sick kitten«, ya había utilizado esta técnica (lo que confirma que la periodización de la historia del cine es siempre problemática). Esta técnica se utilizó para enfatizar las emociones de los personajes y otros detalles de la trama.
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Otras características
También hay otras características estéticas importantes, como el montaje paralelo (cuando las escenas alternan entre dos acciones que ocurren al mismo tiempo), el corte analítico (corte de un plano abierto a otro mucho más cerrado, como forma de fragmentar la percepción del espectador) y el juego entre el «fade in» y el «fade out«. Varias de estas características pueden notarse fácilmente en las siguientes obras, que marcaron esta época.